Lev Nikolajevič Oborin |

Lev Oborin

Lev Nikolajevič Oborin bio je prvi sovjetski umjetnik koji je osvojio prvu pobjedu u povijesti sovjetske glazbene izvedbene umjetnosti na međunarodnom natjecanju (Varšava, 1927., Chopinovo natjecanje). Danas, kada redovi pobjednika raznih glazbenih turnira koračaju jedan za drugim, kada se u njima stalno pojavljuju nova imena i lica, kojima “nema broja”, teško je do kraja ocijeniti ono što je Oborin napravio prije 85 godina. Bio je to trijumf, senzacija, podvig. Otkrivači su uvijek okruženi čašću – u istraživanju svemira, u znanosti, u javnim poslovima; Oborin je otvorio put koji su sjajno slijedili J. Flier, E. Gilels, J. Zak i mnogi drugi. Osvojiti prvu nagradu u ozbiljnoj kreativnoj konkurenciji uvijek je teško; Godine 1927., u ozračju zle volje koje je vladalo u buržoaskoj Poljskoj prema sovjetskim umjetnicima, Oborin je bio dvostruko, trostruko težak. Pobjedu nije zahvalio slučajnosti ili nečemu trećem – zahvalio ju je isključivo sebi, svom velikom i iznimno šarmantnom talentu.

• Klavirska glazba u Ozon online trgovini →

Oborin je rođen u Moskvi, u obitelji željezničkog inženjera. Dječakova majka, Nina Viktorovna, voljela je provoditi vrijeme za klavirom, a njegov otac, Nikolaj Nikolajevič, bio je veliki ljubitelj glazbe. S vremena na vrijeme u Oborinima su priređivani improvizirani koncerti: netko od gostiju pjevao je ili svirao, Nikolaj Nikolajevič je u takvim slučajevima rado djelovao kao korepetitor.

Prva učiteljica budućeg pijanista bila je Elena Fabianovna Gnesina, poznata u glazbenim krugovima. Kasnije, na konzervatoriju, Oborin je studirao kod Konstantina Nikolajeviča Igumnova. “Bila je to duboka, složena, osebujna priroda. Na neki način, to je jedinstveno. Mislim da su pokušaji da se Igumnovljeva umjetnička individualnost okarakterizira pomoću jednog ili dva pojma ili definicije – bio to “tekstopisac” ili nešto slično – uglavnom su osuđeni na neuspjeh. (A ovakvim su definicijama ponekad skloni i mladi s Konzervatorija, koji Igumnova poznaju samo iz pojedinačnih zapisa i iz pojedinačnih usmenih svjedočanstava.)

Istinu govoreći, – nastavio je priču o svom učitelju Oborin, – Igumnov kao pijanist nije uvijek bio ujednačen. Možda najbolje od svega igrao je kod kuće, u krugu najmilijih. Ovdje, u poznatom, ugodnom okruženju, osjećao se ugodno i lagodno. U takvim trenucima svirao je nadahnuto, s istinskim entuzijazmom. Osim toga, kod kuće, na njegovom instrumentu, uvijek mu je sve “ispalo”. U konzervatoriju, u učionici, gdje se ponekad okupljalo mnoštvo ljudi (učenika, gostiju...), više nije “disao” za klavirom tako slobodno. Ovdje je dosta igrao, iako, ruku na srce, nije uvijek i nije uvijek sve jednako dobro uspijevao. Igumnov je rad koji je proučavao sa studentom prikazivao ne od početka do kraja, već u dijelovima, fragmentima (onima koji su trenutno u radu). Što se tiče njegovih govora široj javnosti, nikad se nije moglo unaprijed predvidjeti što će ta izvedba postati.

Bilo je nevjerojatnih, nezaboravnih klavirabenda, produhovljenih od prve do posljednje note, obilježenih najsuptilnijim prodorom u dušu glazbe. A uz njih bilo je i neujednačenih nastupa. Sve je ovisilo o minuti, o raspoloženju, o tome hoće li Konstantin Nikolajevič uspjeti obuzdati svoje živce, svladati uzbuđenje.

Kontakti s Igumnovom značili su mnogo u stvaralačkom životu Oborina. Ali ne samo njih. Mladi glazbenik općenito je, kako kažu, imao "sreće" s učiteljima. Među njegovim mentorima na konzervatoriju bio je Nikolaj Jakovljevič Mjaskovski, od kojeg je mladić uzimao satove kompozicije. Oborin nije morao postati profesionalni skladatelj; kasniji život jednostavno mu nije ostavio takvu priliku. No, kreativne studije u vrijeme studija dale su slavnom pijanistu puno - to je više puta naglasio. “Život se tako posložio”, rekao je, da sam na kraju slučajno postao umjetnik i učitelj, a ne skladatelj. No, sada uskrsnuvši u sjećanju svoje mlade godine, često se pitam koliko su mi tada bili blagotvorni i korisni ti pokušaji skladanja. Nije stvar samo u tome da sam “eksperimentiranjem” na klavijaturi produbio svoje razumijevanje izražajnih svojstava klavira, već sam, samostalno stvarajući i uvježbavajući različite kombinacije tekstura, općenito napredovao kao pijanist. Inače, morao sam puno učiti – ne da učim svoje drame, kao što ih Rahmanjinov, na primjer, nije učio, nisam mogao…

A ipak je glavna stvar drugačija. Kad sam se, ostavivši po strani vlastite rukopise, uhvatio tuđe glazbe, nekako su mi postali jasniji radovi drugih autora, forma i struktura tih djela, njihova unutarnja struktura i sama organizacija zvučnog materijala. Primijetio sam da sam tada puno svjesnije počeo ulaziti u značenje složenih intonacijsko-harmonijskih preobrazbi, u logiku razvoja melodijskih zamisli itd. stvaranje glazbe je meni, izvođaču, pružilo neprocjenjive usluge.

Često mi pada na pamet jedna zanimljiva zgoda iz mog života”, zaključio je Oborin razgovor o dobrobitima skladanja za izvođače. “Negdje u ranim tridesetima bio sam pozvan u posjet Alekseju Maksimoviču Gorkom. Moram reći da je Gorki jako volio glazbu i da ju je suptilno osjećao. Naravno, na zahtjev vlasnika, morao sam sjesti za instrument. Igrao sam tada puno i, čini se, s velikim entuzijazmom. Aleksej Maksimovič je pozorno slušao, naslonivši bradu na dlan i ne skidajući s mene pametnog i dobrog pogleda. Neočekivano je upitao: "Recite mi, Lave Nikolajeviču, zašto sami ne skladate glazbu?" Ne, odgovaram, prije mi je to bilo drago, a sada jednostavno nemam vremena – putovanja, koncerti, studenti… “Šteta, šteta”, kaže Gorki, “ako je dar skladatelja već urođen u vama po prirodi, mora se zaštititi - to je velika vrijednost. Da, au izvedbi bi vam, vjerojatno, puno pomoglo...” Sjećam se da su mene, mladog glazbenika, ove riječi duboko pogodile. Ne govori ništa – mudro! On, čovjek tako daleko od glazbe, tako je brzo i ispravno shvatio samu bit problema – izvođač-skladatelj".

Susret s Gorkim bio je samo jedan u nizu brojnih zanimljivih susreta i poznanstava koja su zadesila Oborina XNUMX. i XNUMX. U to vrijeme bio je u bliskom kontaktu sa Šostakovičem, Prokofjevom, Šebalinom, Hačaturjanom, Sofronickim, Kozlovskim. Bio je blizak svijetu kazališta – Mejerholjdu, MKhAT-u, a posebno Moskvinu; s nekima od gore navedenih imao je čvrsto prijateljstvo. Kasnije, kada Oborin postane poznati majstor, kritika će s divljenjem pisati o unutarnja kultura, nepromjenjivo svojstveno njegovoj igri, da u njemu možete osjetiti čar inteligencije u životu i na pozornici. Oborin je to dugovao svojoj sretno formiranoj mladosti: obitelji, učiteljima, kolegama studentima; jednom je u razgovoru rekao da je u mladim godinama imao izvrsnu "hranjivu okolinu".

Godine 1926. Oborin je briljantno diplomirao na Moskovskom konzervatoriju. Njegovo je ime zlatom uklesano na poznatoj mramornoj Ploči časti koja krasi predvorje Male dvorane Konzervatorija. To se dogodilo u proljeće, au prosincu iste godine u Moskvi je zaprimljen prospekt za Prvo međunarodno Chopinovo pijanističko natjecanje u Varšavi. Pozvani su glazbenici iz SSSR-a. Problem je bio što praktički nije bilo vremena za pripremu za natjecanje. “Tri tjedna prije početka natjecanja Igumnov mi je pokazao program natjecanja”, prisjećao se kasnije Oborin. “Na repertoaru sam imao oko trećinu obveznog natjecateljskog programa. Treniranje u takvim uvjetima činilo se besmislenim.” Ipak, počeo se pripremati: Igumnov je inzistirao i jedan od najautoritativnijih glazbenika tog vremena, BL Yavorsky, čije je mišljenje Oborin uvažavao u najvećoj mjeri. "Ako stvarno želite, onda možete govoriti", rekao je Yavorsky Oborinu. I vjerovao je.

U Varšavi se Oborin izuzetno dobro pokazao. Jednoglasno mu je dodijeljena prva nagrada. Strani tisak, ne skrivajući svoje iznenađenje (već je rečeno gore: bila je 1927.), s entuzijazmom je govorio o izvedbi sovjetskog glazbenika. Poznati poljski skladatelj Karol Szymanowski, ocjenjujući Oborinov nastup, izrekao je riječi koje su svojedobno zaobišle ​​novine mnogih zemalja svijeta: “Fenomen! Nije grijeh štovati ga, jer on stvara Ljepotu.

Vrativši se iz Varšave, Oborin počinje aktivnu koncertnu aktivnost. U porastu je: širi se geografija njegovih turneja, povećava se broj nastupa (kompozicija se mora napustiti – nema dovoljno vremena i energije). Oborinov koncertni rad posebno se razvio u poslijeratnim godinama: osim u Sovjetskom Savezu, svirao je u SAD-u, Francuskoj, Belgiji, Velikoj Britaniji, Japanu i mnogim drugim zemljama. Samo bolest prekida ovaj neprestani i brz tok putovanja.

... Oni koji se sjećaju pijanista tridesetih godina jednoglasno govore o rijetkom šarmu njegova sviranja – bezumnog, punog mladenačke svježine i neposrednosti osjećaja. IS Kozlovsky, govoreći o mladom Oborinu, piše da je zadivio "lirizmom, šarmom, ljudskom toplinom, nekom vrstom sjaja". Riječ "zračenje" ovdje privlači pozornost: izražajna, slikovita i figurativna, pomaže razumjeti mnogo toga u izgledu glazbenika.

I još jedno potkupljivo u tome – jednostavnost. Možda je igumnovska škola imala utjecaja, možda osobine Oborinove naravi, sastav njegova karaktera (najvjerojatnije oboje), – samo je u njemu, kao umjetniku, bila zadivljujuća jasnoća, lakoća, cjelovitost, unutarnji sklad. To je ostavilo gotovo neodoljiv dojam na širu javnost, ali i na pijanističine kolege. U pijanistu Oborinu osjetilo se nešto što je sezalo u daleke i slavne tradicije ruske umjetnosti – oni su doista mnogo toga odredili u njegovu koncertnom izvedbenom stilu.

Veliko mjesto u njegovim programima zauzimala su djela ruskih autora. Sjajno je svirao Četiri godišnja doba, Dumku i Prvi klavirski koncert Čajkovskog. Često su se mogle čuti Musorgskijeve Slike s izložbe, kao i Rahmanjinovljeva djela – Drugi i Treći klavirski koncert, preludiji, etide-slike, Glazbeni trenuci. Nemoguće je ne prisjetiti se, dotičući se ovog dijela Oborinova repertoara, i njegove očaravajuće izvedbe Borodinove “Male suite”, Ljadovljevih Varijacija na Glinkinu ​​temu, Koncerta za klavir i orkestar, op. 70 A. Rubinstein. Bio je umjetnik istinski ruskog roda – po karakteru, izgledu, stavu, umjetničkom ukusu i sklonostima. Bilo je jednostavno nemoguće ne osjetiti sve to u njegovoj umjetnosti.

I još jednog autora moramo spomenuti kada govorimo o Oborinovom repertoaru – Chopina. Svirao je od prvih koraka na pozornici do kraja svojih dana; jednom je napisao u jednom od svojih članaka: “Osjećaj radosti koji pijanisti imaju Chopina nikad me ne napušta.” Teško se sjetiti svega što je Oborin svirao u svojim Chopinovim programima – etida, preludija, valcera, nokturna, mazurki, sonata, koncerata i još mnogo toga. Teško je to nabrojati jer je igrao je, danas je još teže igrati, as on je to ucinio. “Njegov Chopin – kristalno jasan i svijetao – nepodijeljeno je osvojio svaku publiku”, divio se J. Flier. Nije, naravno, slučajno da je Oborin svoj prvi i najveći stvaralački trijumf u životu doživio upravo na natjecanju posvećenom uspomeni na velikog poljskog skladatelja.

… Godine 1953. održana je prva izvedba dueta Oborin – Oistrakh. Nekoliko godina kasnije rođen je trio: Oborin – Oistrakh – Knushevitsky. Od tada je Oborin postao poznat u glazbenom svijetu ne samo kao solist, već i kao prvoklasni svirač ansambla. Od malih nogu volio je komornu glazbu (čak i prije upoznavanja svojih budućih partnera, svirao je u duetu s D. Tsyganovom, nastupao je zajedno s Beethoven kvartetom). I doista, neke osobine Oborinove umjetničke prirode – izvođačka fleksibilnost, osjetljivost, sposobnost brzog uspostavljanja kreativnih kontakata, stilska svestranost – učinile su ga nezaobilaznim članom dueta i tria. Na račun Oborina, Oistrakha i Knushevitskyja bila je ogromna količina glazbe koju su reproducirali - djela klasika, romantičara, modernih autora. Ako govorimo o njihovim vrhunskim postignućima, onda ne možemo ne spomenuti Rahmanjinovsku sonatu za violončelo u interpretaciji Oborina i Knuševitskog, kao i svih deset Beethovenovih sonata za violinu i klavir, koje su svojevremeno izvodili Oborin i Ojstrah. Te su sonate izvedene, posebice, 1962. u Parizu, gdje je sovjetske umjetnike pozvala poznata francuska diskografska kuća. U mjesec i pol dana svoj su nastup zabilježili na ploče, a ujedno ga – nizom koncerata – predstavili francuskoj javnosti. Bilo je to teško vrijeme za slavni dvojac. “Stvarno smo se trudili i naporno radili”, rekao je kasnije DF Oistrakh, “nismo nikamo išli, suzdržavali smo se od primamljivih šetnji gradom, odbijajući brojne gostoljubive pozive. Vraćajući se Beethovenovoj glazbi, želio sam ponovno promisliti opći plan sonata (što se računa!) i ponovno proživjeti svaki detalj. No, teško da je publika, posjećujući naše koncerte, imala više zadovoljstva nego mi. Uživali smo svaku večer kada smo svirali sonate sa pozornice, bili smo beskrajno sretni slušajući glazbu u tišini studija, gdje su stvoreni svi uvjeti za to.”

Uz sve ostalo Oborin je i predavao. Od 1931. do posljednjih dana svog života vodio je prepunu klasu na Moskovskom konzervatoriju - odgojio je više od desetak učenika, među kojima se mogu navesti mnogi poznati pijanisti. U pravilu, Oborin je aktivno obilazio: putovao u razne gradove zemlje, proveo dugo vremena u inozemstvu. Dogodilo se da njegovi susreti sa studentima nisu bili prečesti, ne uvijek sustavni i redoviti. To, naravno, nije moglo ne ostaviti određeni pečat na nastavu u njegovoj klasi. Ovdje se nije moralo računati na svakodnevnu, brižnu pedagošku skrb; štošta su “Oborinti” morali doznati sami. Bilo je, očito, u takvoj obrazovnoj situaciji i svojih pluseva i minusa. Sad se radi o nečem drugom. Rijetki susreti s učiteljem nekako posebno visoko cijenjena njegovi ljubimci – to bih posebno istaknuo. Cijenili su ih možda i više nego u razredima drugih profesora (makar bili ne manje ugledni i zaslužni, nego više “domaći”). Ovi susreti-lekcije s Oborinom bili su događaj; pripremao za njih s posebnom pažnjom, čekao ih, dogodilo se, gotovo kao praznik. Teško je reći je li za studenta Lava Nikolajeviča postojala temeljna razlika u tome da nastupi, recimo, u Maloj dvorani Konzervatorija na nekoj od studentskih večeri ili da svom učitelju svira novo djelo naučeno u njegovoj odsutnosti. Ovaj pojačani osjećaj Odgovornost prije nego što je predstava u učionici bila neka vrsta stimulansa – snažnog i vrlo specifičnog – na nastavi s Oborinom. Mnogo je odredio u psihologiji i odgojno-obrazovnom radu svojih štićenika, u odnosu prema profesoru.

Nema sumnje da je jedan od glavnih parametara po kojem se može i treba prosuđivati ​​uspješnost nastave vezan uz vlast učitelj, mjera njegovog profesionalnog prestiža u očima učenika, stupanj emocionalnog i voljnog utjecaja na njegove učenike. Oborinov je autoritet u klasi bio nedvojbeno visok, a njegov utjecaj na mlade pijaniste iznimno jak; samo je to bilo dovoljno da se o njemu govori kao o velikoj pedagoškoj ličnosti. Ljudi koji su blisko komunicirali s njim prisjećaju se da se nekoliko riječi koje je izgovorio Lev Nikolajevič ponekad pokazalo težim i značajnijim od drugih najveličanstvenijih i cvjetnih govora.

Nekoliko riječi, mora se reći, bilo je Oborinu općenito draže od dugih pedagoških monologa. Više zatvoren nego pretjerano društven, uvijek je bio prilično lakon, škrt u izjavama. Svakakve književne digresije, analogije i paralele, živopisne usporedbe i poetske metafore – sve je to u njegovoj nastavi bila iznimka, a ne pravilo. Govoreći o samoj glazbi – njenom karakteru, slikama, idejnom i umjetničkom sadržaju – bio je krajnje jezgrovit, precizan i strog u izrazima. U njegovim izjavama nikad nije bilo ničega suvišnog, neobveznog, sugestivnog. Postoji posebna vrsta elokvencije: reći samo ono što je relevantno, i ništa više; u tom je smislu Oborin bio doista rječit.

Lav Nikolajevič bio je posebno kratak na probama, dan ili dva prije nastupa, nadolazeći učenik njegovog razreda. “Bojim se dezorijentirati učenika,” rekao je jednom, “barem na neki način poljuljati njegovu vjeru u ustaljeni koncept, bojim se “uplašiti” živog izvedbenog osjećaja. Po meni je najbolje da učitelj u predkoncertnom razdoblju ne poučava, ne instruira mladog glazbenika iznova i iznova, nego ga jednostavno podupire, ohrabruje…”

Još jedan karakterističan trenutak. Oborinove pedagoške upute i primjedbe, uvijek specifične i svrhovite, obično su bile upućene onome što je bilo povezano s praktičan stranu u klavirizmu. Sa izvedbom kao takvom. Kako, na primjer, igrati ovo ili ono teško mjesto, pojednostaviti ga što je više moguće, čineći ga tehnički lakšim; koji prstomet bi ovdje mogao biti najprikladniji; koji bi položaj prstiju, ruku i tijela bio najprikladniji i najprikladniji; koji bi taktilni osjećaji doveli do željenog zvuka itd. – ova i slična pitanja najčešće su dolazila u prvi plan Oborinove lekcije, određujući njezinu posebnu konstruktivnost, bogat „tehnološki“ sadržaj.

Za studente je bilo iznimno važno da je sve ono o čemu je Oborin govorio “osigurano” – kao svojevrsna zlatna rezerva – njegovim golemim profesionalnim izvođačkim iskustvom, temeljenim na poznavanju najintimnijih tajni pijanističkog “zanata”.

Kako, recimo, izvesti djelo s očekivanjem njegovog budućeg zvuka u koncertnoj dvorani? Kako ispraviti proizvodnju zvuka, nijanse, pedalizaciju itd. u tom smislu? Savjeti i preporuke ove vrste dolazili su od majstora, više puta i, što je najvažnije, lično koji je sve to ispitao u praksi. Zabilježen je slučaj kada je na jednom od predavanja u Oborinovoj kući jedan od njegovih učenika svirao Chopinovu Prvu baladu. "Pa, dobro, nije loše", rezimirao je Lav Nikolajevič, saslušavši djelo od početka do kraja, kao i obično. “Ali ova glazba zvuči previše komorno, čak bih rekao “sobno”. I nastupit ćete u Maloj dvorani... Jeste li zaboravili na to? Molimo počnite ispočetka i uzmite ovo u obzir…”

Ova epizoda podsjeća, uzgred, na jednu od Oborinovih uputa, koju je više puta ponavljao svojim učenicima: pijanist koji svira s pozornice mora imati jasan, razumljiv, vrlo artikuliran “ukor” – “dobro postavljenu izvođačku dikciju”, kako je rekao Lav Nikolajevič na jednom od razreda. I zato: “Reljefnije, veće, određenije”, često je zahtijevao na probama. “Govornik koji govori za govornicom govorit će drugačije nego licem u lice sa svojim sugovornikom. Isto vrijedi i za koncertnog pijanista koji svira u javnosti. To bi trebala čuti cijela dvorana, a ne samo prvi redovi štandova.

Možda je najmoćniji alat u arsenalu Oborina učitelj odavno predstava (ilustracija) na instrumentu; tek posljednjih godina, zbog bolesti, Lev Nikolaevich je počeo rjeđe pristupati klaviru. Po svom “radnom” prioritetu, po svojoj učinkovitosti, metoda prikaza je, reklo bi se, prednjačila u usporedbi s verbalnom eksplanatornom. A nije čak ni u tome da je specifična demonstracija na klavijaturi jedne ili druge izvedbene tehnike pomogla “Oborincima” u radu na zvuku, tehnici, pedalizaciji itd. Predstave-ilustracije učitelja, živi i bliski primjer njegove izvedbe – sve ovo nosi nešto značajnije. Sviranje Lava Nikolajeviča na drugom instrumentu inspiriran glazbene mladeži, otvorio je nove, dosad nepoznate horizonte i perspektive u pijanizmu, omogućio im da udahnu uzbudljiv miris velike koncertne pozornice. Ova je igra ponekad probudila nešto slično "bijeloj zavisti": nakon svega, ispada da as и jer je može se izvoditi na klaviru... Nekada je prikazivanje jednog ili drugog djela na klaviru Oborinsky razjasnilo učeniku najteže situacije za izvođenje, presjeklo najzamršenije "Gordijeve čvorove". U memoarima Leopolda Auera o svom učitelju, divnom mađarskom violinistu J. Joachimu, postoje stihovi: so!” praćen ohrabrujućim osmijehom.” (Auer L. Moja škola sviranja violine. – M., 1965. S. 38-39.). Slične scene često su se događale u klasi Oborinskog. Odsvirana je neka pijanistički složena epizoda, prikazan je “standard” – a onda je dodan sažetak od dvije-tri riječi: “Po mom mišljenju, dakle...”

… Dakle, što je Oborin u konačnici podučavao? Koji je bio njegov pedagoški “credo”? Što je bio fokus njegove kreativne aktivnosti?

Oborin je svoje učenike uveo u istinit, realan, psihološki uvjerljiv prijenos figurativnog i poetskog sadržaja glazbe; ovo je bila alfa i omega njegova učenja. Lav Nikolajevič je mogao govoriti o različitim stvarima na svojim satovima, ali sve je to na kraju dovelo do jedne stvari: pomoći učeniku da shvati najdublju bit skladateljeve namjere, da je ostvari umom i srcem, da uđe u „koautorstvo“. ” s glazbenim stvarateljem, kako bi utjelovio njegove ideje s maksimalnim uvjerenjem i uvjerljivošću. “Što izvođač potpunije i dublje razumije autora, to je veća šansa da će u budućnosti vjerovati samom izvođaču”, više puta je izrazio svoje stajalište, ponekad mijenjajući formulaciju ove misli, ali ne i njezinu bit.

Pa razumjeti autora – a tu je Lav Nikolajevič govorio u potpunom suglasju sa školom koja ga je odgojila, s Igumnovom – značilo je u klasi Oborinskog što pažljivije dešifrirati tekst djela, potpuno ga „iscrpiti“ i dnu, kako bi se otkrilo ne samo glavno u notnom zapisu, već i najsuptilnije nijanse skladateljeve misli, fiksirane u njemu. “Glazba, prikazana znakovima na notnom papiru, uspavana je ljepotica, treba je još odčarati”, rekao je jednom u krugu studenata. Što se tekstualne točnosti tiče, zahtjevi Lava Nikolajeviča za njegove učenike bili su najstroži, da ne kažemo pedantni: ništa približno u igri, učinjeno na brzinu, "općenito", bez odgovarajuće temeljitosti i točnosti, nije bilo oprošteno. “Najbolji igrač je onaj koji jasnije i logičnije prenosi tekst”, te riječi (pripisuju se L. Godovskom) mogle bi poslužiti kao izvrstan epigraf mnogim Oborinovim lekcijama. Bilo kakvi grijesi prema autoru – ne samo prema duhu, nego i prema slovu interpretiranih djela – ovdje su se doživljavali kao nešto šokantno, kao izvođački loš odgoj. Lav Nikolajevič je svim svojim izgledom izražavao krajnje nezadovoljstvo u takvim situacijama ...

Njegovom profesionalno oštrom oku nije promakao niti jedan naizgled beznačajan teksturirani detalj, niti jedan skriveni odjek, nerazgovjetna nota i sl. Istaknite slušnom pozornošću svi и svi u interpretiranom djelu, poučavao je Oborin, bit je “prepoznati”, shvatiti dato djelo. “Za glazbenika čuti - sredstva razumjeti“, – pao je na jednoj od lekcija.

Nema sumnje da je cijenio manifestacije individualnosti i kreativne neovisnosti kod mladih pijanista, ali samo u onoj mjeri u kojoj su te kvalitete pridonosile identifikaciji objektivne pravilnosti glazbene kompozicije.

U skladu s tim, određeni su zahtjevi Leva Nikolajeviča za igru ​​učenika. Glazbenik strogog, reklo bi se, purističkog ukusa, pomalo akademski pedesetih i šezdesetih godina, odlučno se suprotstavio subjektivističkoj samovolji u izvođenju. Sve ono što je u interpretacijama njegovih mladih kolega bilo pretjerano zarazno, a tobože neobično, šokantno vanjskom originalnošću, nije bilo bez predrasuda i opreza. Tako se, jednom govoreći o problemima umjetničkog stvaralaštva, Oborin prisjetio A. Kramskoja, slažući se s njim da je „originalnost u umjetnosti od prvih koraka uvijek pomalo sumnjiva i prije ukazuje na skučenost i ograničenost nego na širok i svestran talent. Duboka i osjetljiva narav na početku ne može ne biti ponesena svime što je prije dobro učinjeno; takve prirode oponašaju..."

Drugim riječima, ono što je Oborin tražio od svojih učenika, želeći čuti u njihovoj igri, moglo bi se okarakterizirati riječima: jednostavno, skromno, prirodno, iskreno, poetično. Duhovna egzaltacija, pomalo pretjerana ekspresija u procesu muziciranja – sve je to obično uznemiravalo Lava Nikolajeviča. On sam, kako je rečeno, i u životu i na pozornici, za instrumentom, bio je suzdržan, uravnotežen u osjećajima; otprilike isti emocionalni “stupanj” privlačio ga je u izvedbi drugih pijanista. (Nekako se, slušajući previše temperamentnu igru ​​jednog debitanta, sjetio riječi Antona Rubinsteina da osjećaja ne treba biti puno, osjećaja može biti samo umjereno; ako ga ima puno, onda je lažna...) Dosljednost i ispravnost u emocionalnim manifestacijama, unutarnji sklad u poetici, savršenstvo tehničke izvedbe, stilska točnost, strogost i čistoća – te i slične izvedbene kvalitete izazivale su Oborinove nepromjenjive odobravajuće reakcije.

Ono što je njegovao u svojoj klasi moglo bi se definirati kao elegantno i suptilno glazbeno profesionalno obrazovanje, usađujući svojim učenicima besprijekorne izvedbene manire. Pritom je Oborin polazio od uvjerenja da „učitelj, ma koliko bio obrazovan i iskusan, ne može učiniti učenika talentiranijim nego što je po prirodi. Neće ići, ma što se ovdje radilo, ma kakvim se pedagoškim trikovima služilo. Mlada glazbenica ima pravi talent – ​​prije ili kasnije on će se dati do znanja, izbit će; ne, nema tu pomoći. Druga je stvar što je pod mlade talente uvijek potrebno postaviti čvrste temelje profesionalizma, ma koliko on bio velik; upoznati ga s normama lijepog ponašanja u glazbi (a možda i ne samo u glazbi). Već postoji izravna dužnost i dužnost učitelja.

U takvom pogledu na stvari bila je velika mudrost, mirna i trezvena svijest o tome što učitelj može i što je izvan njegove kontrole…

Oborin je godinama služio kao inspirativan primjer, visoki umjetnički uzor svojim mlađim kolegama. Učili su iz njegove umjetnosti, oponašali ga. Ponovimo, njegova pobjeda u Varšavi uzburkala je mnoge koji su ga kasnije slijedili. Malo je vjerojatno da bi Oborin igrao ovu vodeću, temeljno važnu ulogu u sovjetskom pijanizmu, da nije bilo njegova osobnog šarma, njegovih čisto ljudskih kvaliteta.

Tome se u stručnim krugovima uvijek pridaje velika važnost; otuda, u mnogome, i odnos prema umjetniku, te javni odjek njegovih aktivnosti. "Nije bilo proturječja između Oborina umjetnika i Oborina čovjeka", napisao je Ya. I. Zak, koji ga je izbliza poznavao. “Bio je vrlo skladan. Pošten u umjetnosti, bio je besprijekorno pošten u životu... Uvijek je bio druželjubiv, dobronamjeran, istinoljubiv i iskren. Bio je rijetko jedinstvo estetskih i etičkih načela, spoj visoke umjetnosti i najdublje pristojnosti. (Zak Ya. Svijetli talent / / LN Oborin: Članci. Memoari. – M., 1977., str. 121.).

G. Tsypin